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”Une journée particulière” au Théâtre de l'Atelier

2023-12-11T17:58:00+01:00

Rome, 6 mai 1938. Hitler rencontre Mussolini. Une parade militaire rameute la population pour célébrer l'entente fasciste entre l'Allemagne et l'Italie. Dans un lieu déserté de ses habitants, la rencontre d’une femme au foyer, délaissée et éreintée, et d‘un homme dont l’homosexualité est condamnée par le régime totalitaire, révèle une humanité terriblement douloureuse, vidée de sens. L’histoire « Une journée particulière » voit le jour en 1977 au cinéma, Ettore Scola signe un chef d’œuvre. Sophia Loren est une tragédienne fatale et Marcello Mastroianni est d’une délicate fantaisie, le duo est sensible, éblouissant.

Au Théâtre de l’Atelier, ce sont deux acteurs du cinéma français qui endossent les rôles de leurs ainés, Laetitia Casta et Roschdy Zem, dans une version adaptée par Huguette Hatem, Gigliola Fantoni et Ruggero Maccari et mise en scène par Lilo Baur.

Dans une ambiance baignée de chants et de messages radiodiffusés mis au service du dictateur, des costumes jusqu’aux décors, l’adaptation théâtrale colle à la création cinématographique de départ. Qu’il s’agisse d’être respectueux de l’œuvre originale ou bien de la réinventer, le pari est toujours risqué. Pour cette fois, une sorte de simplicité règne, hormis un décor tournant extrêmement ludique, cette version théâtralisée a fait le choix de l’humilité, ce sont les âmes (perdues) des personnages qui habitent l’espace. Laetitia comme Sophia a cette grâce lumineuse qu’une robe de quatre sous et des chaussons n’éteignent pas. Roschdy comme Marcello a cette pudeur qui laisse parfois échapper un brin d’imprévu. Cependant, il est tout à fait inutile de comparer, ce qui se passe au cinéma ne doit pas se confronter avec ce qui se passe sur scène, l’exercice du théâtre est selon moi bien plus ardu. Laetitia Casta l’a bien compris en donnant sens au moindre de ses gestes tout comme Roschdy Zem qui traverse la scène de sa fine stature en deux ou trois foulées. La comédienne porte loin une voix claire, ronde et un phrasé impeccable, quand il est question de prononcer des mots en italien un accent doux et velouté transporte avec lui tout l’auditoire. Tous deux nous montrent ce que l’on ne voit pas, tous deux nous parlent de ce qui n’est pas dit.

La banalité de cette journée que l’on souhaiterait sans fin prend l’allure d’une tragédie humaine. Petit à petit les personnalités se dévoilent, elles éclosent comme des fleurs qui voient enfin le soleil, petit à petit l’intelligence du cœur gagne sur l’ignorance crasse. Finalement, le propos d’« Une journée particulière » livre un message d’espérance sur notre Humanité où la beauté a son dernier mot. Une alchimie magique que seuls les œuvres et les artistes savent créer, c’est au Théâtre de l’Atelier, jusqu’au 31 décembre.

« DABADIE OU LES CHOSES DE NOS VIES » au Théâtre de l'Atelier

2022-12-12T18:29:36+01:00

C'est une avalanche étourdissante. Michel Polnareff, Guy Bedos, Claude Sautet, Michel Piccoli, Romy Schneider, Yves Robert, Serge Reggiani, Régine, Claude Pinoteau, Mireille Matthieu, Claude François, Barbara, Julien Clerc, Johnny Hallyday, Jean-Paul Rappeneau, Jean Becker, Michel Sardou, Yves Montand, Dalida, Barbara, Jacques Dutronc, Johnny Hallyday, Isabelle Boulay – et j’en oublie - ont tous été traversés et souvent propulsés par la plume de Jean-Loup Dabadie. Des mots précieux, fragiles et puissants, agiles comme des acrobates, mélancoliques ou comiques, en apparence légers et pourtant profonds.

D’abord romancier, puis journaliste, la télévision, le théâtre, le cinéma et la chanson ont vite fait de se disputer la poésie contemporaine de l’auteur français, certainement le plus fécond des années 60 aux années 80, et au-delà. Il est le premier saltimbanque à entrer à l’Académie française en 2008, Jean-Loup Dabadie sème des mots chics qui parlent d’amours absolus et impossibles, d’humours policés et décalés, et de situations au charme fou. Le dimanche 24 mai 2020, nous sommes tous un peu orphelins, Jean-Loup Dabadie a quitté le monde matériel, il laisse à sa suite une œuvre monumentale.

Au Théâtre de l’Atelier, il y a toujours un rendez-vous musical, il s’est naturellement inscrit dans la saison théâtrale. « DABADIE OU LES CHOSES DE NOS VIES » arrive à point, en prologue aux fêtes de fin d’année, la douce nostalgie qui émane du spectacle émeut nos vies, ravive de tendres souvenirs et adoucit l’âme. Les artistes, entre dramaturgie et chanson, Clarika, Maissiat, Mathieu Geghre et Emmanuel Noblet ("Réparer les vivants") qui signe aussi une mise en scène ingénieusement ludique, créent un aparté nécessaire dans l'espace-temps qui occupe notre présent, débordant, trop rapide et trop tout. A contre-courant, entre répliques et airs immortels, Jean-Loup Dabadie appuie sur la touche stop, on rewind avec lui, c’est un plaisir rare, partagés par un public soupirant de gratitude, tous ravis de se laisser emporter au large, loin, vers des temps qui ont fondé nos imaginaires. Quant à ceux, plus jeunes, pour lesquels ce grand Monsieur « dit quelque chose » ou pas du tout : allez-y ! Confiants, abandonnez-vous au rythme, unique, c’est de la magie. Place Charles Dullin, on sort en chantant, en se promettant de revoir un film de Sautet, Pinoteau ou Truffaut, déjà assis dans le métro on cherchera avidement un sketch de Bedos en pianotant sur son téléphone. Ici, le tragique n’est pas si grave, l’insouciance est toujours un peu inquiète, l’humour est terriblement décapant tout en demeurant respectueux, et aussi, et surtout, la vie est une affaire sérieuse sous réserve de la vivre autrement.

Laurence Caron

Une création originale de et avec : Clarika, Maissiat, Emmanuel Noblet et Mathieu Geghre
Montage des textes : Emmanuel Noblet avec Clarika et Maissiat
Piano, claviers et arrangements : Mathieu Geghre
Scénographie : Camille Duchemin
Lumières : Camille Duchemin et Emmanuel Noblet
Régie générale et régie lumière : Damien Valade
Régie son : Anne Laurin en alternance avec Guillaume Prunevieille
Costumes : Maud Heintz

Toute l’histoire de la peinture en moins de deux heures au Théâtre de l’Atelier

2020-03-12T09:01:00+01:00

Une écharpe pendouille autour de son coup, d'un même geste il s'en débarrasse avec son pardessus aux contours indéfinissables, juste quelques secondes après être entré sur la scène du Théâtre de l’Atelier. A la manière d’un professeur de faculté qui se campe face à ses étudiants, il lance quelque traits d’humour pour apprivoiser son auditoire. Il faut en effet un peu de temps pour s’habituer à sa voix et à son rythme : Hector Obalk marmonne, râle un peu et glousse souvent. L’Historien d’Art a l’humeur espiègle et se paye une bonne partie de cabotinage. Il peut se le permettre, la peinture c'est son domaine. Critique d’art et réalisateur du documentaire Grand Art sur Arte, Hector Obalk est aussi Commissaire d’exposition. Comme le titre de son spectacle-conférence l’indique, en moins de deux heures, il a fait le pari de déballer toute l’histoire de la peinture.

Accompagné par un duo violoncelle et violon, qui glisse ça-et-là quelques très courtes phrases musicales, Hector Obalk décortique un mur d’images composé de 8000 tableaux. Hector Obalk commence son récit au 14^èmesiècle, le peintre Giotto ouvre le ban, pour lui le poète Dante inventa le mot « artiste ». De la perfection des peintres de la Renaissance jusqu’au Maniérisme, mouvement sur lequel Hector Obalk s'attarde, le choix des œuvres présentées est totalement subjectif et s’étire jusqu’au 20ème siècle qui fait figure de période butoir. Au passage Vincent Van Gogh est bien égratigné, au milieu des rires d’un public passionné, on sent pourtant quelques mouvements de têtes gênées, peut-être même agacés. La critique est audacieuse. Puis, cubistes, surréalistes jusqu’à l’art abstrait où Yves Klein et comparses en prennent pour leur grade. L’art moderne est effleuré et l’art contemporain n'a pas le droit de citer, on sait que l’ignorance est le meilleur des mépris. C’est une attitude voulue par Hector Obalk et une occasion pour lui de se taper une tranche de rigolade. Cynique, l’orateur n’est pas politiquement correct. Il revendique son point de vue, exercé, et solidement argumenté… un rien réac. Feignant l'humilité, Obalk précise que chacun a la possibilité de se faire sa propre idée - sauf - quand il évoque ses craintes sur la technicité de la peinture qui pourrait-être en perdition, à force d’abstraction, à force de dépouillement…

Aujourd’hui, qui saurait armer ses pinceaux aussi bien que le puissant Caravage pour s’attaquer à un clair-obscur ? Qui ferait ressentir le vertige infini du rebord texturé de ce bol représenté par Chardin ? Des questions se posent - ou pas - le public aime bien être bousculé. Classique ou contestataire, tant que l’Art fait parler de lui ! A la suite, certains auront l’envie de poursuivre par des documentaires proposés par Hector Obalk, d’autres préféreront continuer à parcourir les musées et les galeries faisant fi de ce monsieur-je-sais-tout. Peu importe, le pari est gagné.

Laurence Caron

L’Amour Victorieux- Caravage (1571-1610)

Pommes, timbale d'argent et bol - Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)

Reprise de ”Mademoiselle Julie”, du 1er octobre au 3 novembre 2019 au Théâtre de l'Atelier

2019-09-24T18:52:00+02:00

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Mademoiselle Julie de Strindberg au Théâtre de l'Atelier

2019-05-29T12:25:00+02:00

En Suède, dans les régions les plus septentrionales du pays, lors du solstice d'été, c’est à peine si le soleil se couche, c’est la nuit de la Saint-Jean ; une nuit magique où l’amour est célébré.

Cette nuit là, Mademoiselle Julie, une jeune aristocrate, solitaire et désespérée, se mêle aux domestiques et séduit Jean, le valet de son père, sous l’œil critique de Kristin, la cuisinière.

En 1888, « Mademoiselle Julie » le huit clos tragique d’August Strindberg dérange les autorités suédoises, la pièce sera jouée dans toute l’Europe, avant de se produire finalement en Suède en 1906.

Anna Mouglalis déboule, directe, habitée totalement par la folie de son personnage. Peut-être que cette folie est portée un peu trop haut dès le départ, il est à parier que le jeu de la comédienne va se nuancer au fur et à mesure des représentations pour une meilleure montée en puissance. Ce soir est une première, la tension est palpable. La beauté et la présence féline d’Anna Mouglalis sont magistrales. De ses yeux charbonneux et sa voix grave, elle est une de ces personnalités fascinantes que le public adore ou bien hait. Mademoiselle Julie se déhanche, elle se tient comme un garçon, à moins que cela soit seulement un prétexte pour afficher une allure encore plus provocante, elle revendique une indépendance toute personnelle, peu lui importe, tout est de la faute de sa mère dit-elle. Le tempérament violent du personnage n’impressionne pas du tout son interprète, Anna Mouglalis se jette dans l’arène, instinctive et sans filet.

Pour lui faire face, Xavier Legrand interprète le valet du père de Mademoiselle Julie, nullement effacé par le charisme d’Anna Mouglalis, il est déterminé à dompter les excès du personnage qui lui fait face. Xavier Legrand a l’élégance de ces acteurs initiés du Conservatoire, le phrasé est à la fois fluide et texturé, tout prend sens. Jean est terriblement complexe, Xavier Legrand en tisse une interprétation adaptée, extrêmement sophistiquée, rien ne lui échappe, ses propres intentions autant que ses échanges appliqués avec ses partenaires dont il prend grand soin.

Dans le rôle délicat de la cuisinière, Julie Brochen s’attèle aussi à la mise en scène. Un bijou scénique, parfait, concentré, avec une intensité qui égale la portée du drame noué par Strindberg. Les interprètes sont mis à l’honneur comme il est rare de le voir ces dernières années. Il y a du rythme, des déplacements précis, l’ensemble est sans artifice, des lumières nordiques, douces et froides, une ambiance épurée comme pour mieux révéler la violence des sentiments et la douleur du piège qui se referme... Le combat est sans merci. A la lutte des classes s’ajoute le conflit familial, la quête de reconnaissance, la guerre des sexes, la détresse psychologique, le tumulte des sentiments, un registre immense disséqué par Strindberg, impitoyable.

A voir absolument, jusqu’au 30 juin au Théâtre de l’Atelier.

Laurence Caron

« Traîne pas sous la pluie », Richard Bohringer au Théâtre de l’Atelier

2016-03-10T14:03:00+01:00

Créé en 2010 au Théâtre de l’Européen à Paris, Traîne pas trop sous la pluie est aujourd’hui sur la scène du Théâtre de l’Atelier pour 30 représentations exceptionnelles.

Foudroyé par la maladie alors qu’il jouait J’avais un beau ballon rouge avec sa fille Romane, Richard Bohringer est un rescapé. L’homme revient de loin, du fin fond des arrières salles des bistrots de la banlieue parisienne, des très obscurs faubourgs de Harlem et encore plus loin de sa vibrante et adorée Afrique. C’est tout cela qu’il nous raconte, avec ses mots. Seul en scène.

Sur une des piles des livres qui bordent mon lit, il y a toujours eu C’est beau une ville la nuit paru en 1988. Le livre mince se glisse parfois entre Lettre à un jeune poète de Rainer Maria Rilke ou à côté du Vieil homme et la mer d’Hemingway. J’aime ces livres courts, efficaces, directs. A mi-chemin entre Bukowski et Prévert, quand Richard Bohringer raconte une histoire, il slam, et quand il choisit la confidence, il fait des vers. Une pudeur timide, ou une retenue élégante, filtre le flot des mots et des sentiments sincères qui émanent de l’artiste. Sincérité, toujours plus de sincérité. Entre envolées lyriques, mots absurdes, ou métaphores crues, il y a les apartés du comédien, des respirations, souvent drôles, qui nous libèrent un rire bizarre secoué par des larmes.

Le public n’est pas séparé de l’artiste par le noir infranchissable, cette frontière artificielle qui sépare la scène du public. Richard Bohringer regarde son public droit dans les yeux, chacun à son tour, comme si ses mots bouleversants et ses images colorées ne suffisaient pas à étourdir son auditoire. Il en a vu le bougre et c’est à son tour de nous en faire voir. C’est un peu douloureux, un peu joyeux, on ne sait plus : vogue la galère !

Richard Bohringer est un homme fleuve sur lequel il voyage, un voyage au long cours aux mille contes et rencontres : acteur, auteur, scénariste, réalisateur, chanteur, poète et citoyen du monde engagé, la vie s’étire. Elle ne lui a pourtant pas toujours fait de cadeau cette vie, mais il a su la vaincre. Il parle d’amour comme on jette de la peinture sur une toile, avec élan et concentration : sa femme, ses enfants et ses copains, de franches et formidables amitiés de celles que l’on envie, beaucoup ne sont plus là, mais ils demeurent des vrais, des originaux, des talentueux, des terribles…

Allez le voir, allez l’écouter, il vous dira tout ça en beaucoup mieux…

Laurence Caron