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« La leçon » au Théâtre de la Madeleine

2022-10-17T13:04:00+02:00

Depuis sa première représentation en 1951, « La leçon », une des premières pièces d’Eugène Ionesco, est jouée sans jamais s’interrompre -juste après La cantatrice chauve- au Théâtre de la Huchette depuis 1957 ! Cette fois-ci les mots d’Ionesco, totalement sarcastiques et absurdes, se transforment en une comédie dansée sous l’impulsion des chorégraphes et metteurs en scène Marie-Claude Pietragalla et Julien Derouault, sur les planches du Théâtre de la Madeleine.

Peu courante et souvent mal considérée par la critique traditionnelle, spécifiquement en France, la confrontation des disciplines sur une même scène est une véritable prise de risque. Mais, l’Etoile Marie-Claude Pietragalla, nourrie de travail et de passions, et l’artiste, danseur et comédien, Julien Derouault, en ont fait leur credo en créant la compagnie Le Théâtre du Corps (Alfortville, 94). Ce centre de recherche artistique sur le sens, l’expressivité et la théâtralité du mouvement a notamment pour vocation de prolonger l’intention chorégraphique par la voix. Pour « La leçon » le texte théâtral apparaît ainsi de la façon la plus naturelle qui soit, soutenu par une technique précise, très savamment orchestrée, les danseurs ne semblent jamais perturbés ou même essoufflés par leurs prises de parole. Pourtant la danse est tendue, énergique et rapide. Cette danse ardente a quelques intentions chorégraphiques très voisines de celle proposées par Carolyn Carlson, difficile d’y échapper et de ne pas être marqué tant la création de Don’t look back, pièce intense signée Carslon créée en 1993 pour Pietragalla, a été une rencontre puissante. Un de ces événements magiques et exceptionnels pour lesquels on ne sait plus ‘qui influence qui ?’, cette espèce de choc intime aux frontières effacées entre la création et l’interprétation, comme cela a été le cas entre Maurice Béjart et Patrick Dupond pour la création de Salomé en 1986...

Pour « La Leçon » je parie que le public ne s’y trompera pas et sera au rendez-vous proposé par le Théâtre de la Madeleine jusqu’au 3 décembre 2022. Eugène Ionesco aurait certainement adoré que ces mots soient dits et interprétés par toutes les fibres du corps humain. Voilà que l’extravagant et savant esprit de l’auteur s'exprime par les corps, ce sont des bras et des jambes qui s’élèvent en angles vifs, et des mains et des pieds qui écrivent eux aussi, une écriture vive et déliée, ou bien s’envolent en rythmes follement accélérés presque hypnotiques. La chorégraphie semble si intiment liée et si évidente qu'elle s’oublie derrière le génie de l’auteur, Ionesco se fond en un fantastique marionnettiste dont l’ombre fantomatique se superpose à celle de Julien Derouault, le professeur fantasque emporté par sa folie meurtrière. Puissant et virtuose, Julien Derouault est remarquable, le danseur emmène à sa suite les énergiques jeunes danseurs du Théâtre du Corps. Son élève, Manon Chapuis, terriblement talentueuse, ne craint pas de se confronter à son aînée en affichant une danse intense et poétique dont le reflet du caractère volontaire de Marie-Claude Pietragalla n’échappera à personne… Et puis il y a l’humour, grinçant et fin, Julien Derouault excelle en la matière, notamment lors de cette parodie du pas de deux de Gisèle : moment unique ou l’esprit s’échappe un temps pour aller chercher les images de la formidable et bouleversante Odile de Pietragalla en 1993, lors de l’entrée au répertoire du Gisèle de Mats Ek à L’Opéra de Paris.

Bref, « la leçon » d’Eugène Ionesco est aussi celle de Marie-Claude Pietragalla et de Julien Derouault, un spectacle rare, ou l’intelligence et le divertissement se côtoient sans souffrir d’aucune comparaison.

Laurence Caron

Au Théâtre (de la Madeleine) comme au cinéma : tout est possible. Pour cette fois, Le Roi Lear est à Hollywood...

2015-10-19T10:36:00+02:00

Les 2 h 45 sont passées à la vitesse de l’éclair ! C’est le pari, un peu gonflé, remporté par le metteur en scène Jean-Luc Revol au Théâtre de la Madeleine pour cette adaptation du Roi Lear.

Dans un écrin Hollywoodien, à la veille de la crise de 1929, le monde est en train de changer : une nouvelle fois le chef-d’œuvre de William Shakespeare s’adapte à tous, à toutes les circonstances et à toutes les époques.

Sur le ton de la farce, la pièce démarre sur les chapeaux de roues, les tirades célèbres sont parfois un peu escamotées mais Shakespeare n'en prend pas ombrage. L’esthétisme des années trente par ses costumes élégants renforce l’atmosphère « fin de règne » et l’éclat hypnotisant des personnages démoniaques qui glissent inévitablement vers d’obscurs abysses.

Les jeunes s'élèvent quand les vieux tombent. : pour l'heure, la tirade de Shakespeare n'est absolument pas exacte. Michel Aumont est un roi absolu, cela on le savait déjà ; il déguste Lear avec une tendresse tourmentée et fragile, il est le témoin, non pas fou mais vieillissant, de la tragédie et nous propose d’observer l’histoire par son regard sincère et son délicat ressenti. La diction de Jean-Paul Farré n’est hélas plus toujours parfaite mais le grand comédien avance lui aussi sur la corde sensible et touche juste, droit au cœur.
Marianne Basler maîtrise, elle, sa partition avec une assurance insolente, aux côtés de ses sœurs Agathe Bonitzer (furieuse) et Anne Bouvier (lumineuse). Admirables, Denis D’Archangelo et Bruno Abraham-Kremer déroulent chacun un registre original qui fourmille d’inventions de jeu.
Enfin, lorsque William Shakespeare amorce le dérapage de ces personnages vers une violence extrême, les scènes prennent des allures felliniennes, irrésistiblement grotesques.

Il y a donc quelques hésitations, les comédiens cherchent parfois leur place, le parti pris scénographique ne semble pas toujours bien huilé, et il est à regretter aussi que l'ambiance cinématographique ne soit pas suffisament explorée. Pourtant, ce manque de précision ne gêne en rien la portée du chef-d’œuvre, le rythme est enlevé et l'instant partagé avec ces quinze comédiens est tout à fait divertissant.

Laurence Caron-Spokojny

Dynamiter le mariage ?

2014-10-05T17:50:00+02:00

Alain Kramer (François Berléand) est un homme sérieux, un avocat renommé. Il déclare à sa femme (Isabelle Gélinas), qu’il a « ramené du travail à la maison » et elle ne le croit pas. Pourquoi ? Parce qu’il est nu, et que son associé Nicolas (Sébastien Thiéry) l’est aussi ? Pourtant, elle qui est ostéopathe, ne devrait pas s’étonner d’une banale nudité… « C’est à cause des micros » dit Nicolas. Et les voilà partis sur des explications contournées qu’elle finirait par gober si, par malchance, elle ne découvrait un préservatif usagé sur le tapis de son salon ! Car c’est au domicile conjugal, dans le canapé, qu’ils se sont réveillés, dans le plus simple appareil, vers 20 h, dans la pénombre (Lumières : Alban Sauvé), au moment où elle rentrait.

On connaît cette situation de vaudeville. Vous vous souvenez sans doute de La Dame de chez Maxim’ et de Petypon se réveillant avec la môme Crevette dans son lit, après une nuit de beuverie dont il n’a qu’un très vague souvenir. Ici, ni Kramer, ni son complice Nicolas ne conservent le moindre souvenir de ce qui s’est passé « avant ». Vous vous rappelez sans doute aussi du flagrant délit de La main passe au cours duquel Francine réplique à Chanal son mari : « Qu’est-ce que tu vas encore t ‘imaginer ? ». Dans Deux hommes tout nus, c’est le mari qui demande à sa femme : « Qu’est-ce que tu vas chercher ? »

Sébastien Thiéry,  dans Deux hommes tout nus, part de cette situation pour la dynamiter. Les codes volent en éclat. Catherine dit souffrir d’avoir bâti vingt-cinq ans de sa vie sur un mensonge. Son monde s’écroule. Pourtant, elle admet plus facilement l’idée que son mari ait une maîtresse (Marie Parouty) plutôt que d’accepter qu’il soit homosexuel. Et lui, qui consent à crier « Je suis un canard ! » refuse de dire : « Je suis homosexuel ! ». Normal, il n’a pas « de problème avec les canards ». Doit-on en déduire qu’il en a avec les homosexuels ? Sébastien Thiéry, comme Feydeau, sait cultiver la logique dans l’absurde.

La mise en scène de Ladislas Chollat fait pénétrer le spectateur dans l’intimité d’un foyer bourgeois aisé (Décors : Edouard Laug). Un long travelling avant, (Vidéo : Nathalie Cabrol) projeté sur la découverte du fond de scène amène le regard de la rue jusqu’aux fenêtres des immeubles haussmanniens, et franchit les murs, les balcons, les fenêtres. Les êtres vivent sous le regard des voyeurs qui les scrutent et les jugent.

François Berléand sobre, douloureux, affolé maintient le suspens jusqu’au bout. Sébastien Thiéry, seul contre la mauvaise foi, garde ses allures de Buster Keaton. Isabelle Gélinas déconstruit toutes ses certitudes avec mesure, et Marie Parouty, assume un petit rôle difficile avec élégance.

Il n’y a pas de prêche, pas de démonstration, juste des interrogations, des regards, des soupçons, et des rires qui corrodent le bloc de négations que les protagonistes opposent à l’évidence.

La citadelle du mariage bourgeois s’effrite. Mais heureusement aucune manif pour le défendre ne passe par le théâtre de la Madeleine !

Photo : © LOT

Deux hommes tout nus de Sébastien Thiéry 

Mise en scène de Ladislas Chollat

Théâtre de la Madeleine

01 42 65 07 09

Du mardi au vendredi à 20h30,

le samedi à 17h30 et 20h30

le dimanche à 15h.

scrute les photos, croise les renseignements et se méfie des Anglais, sans se douter que Pietzsch, son aide de camp (Pierre Alain-Leleu) est lui-même un agent de liaison « retourné ».

Le décor de Pierre-Yves Leprince change rapidement : deux bureaux, deux lieux comme en un montage alterné cinématographique, pour des séquences rythmées, dans l’intervalle desquelles le metteur en scène, Nicolas Briançon, projette des images d’actualités de l’époque, une chanson cocardière, des musiques de Wagner et de Beethoven. Les lumières de Gaëlle de Malglaive conduisent ces changements sans temps mort. Le spectateur est emporté dans le tourbillon de l’Histoire, passionnément accroché par les péripéties et les répliques.

Xavier Daugreilh donne à son Patton la truculence ironique qui le rend vraisemblable, et aux stratèges alliés le cynisme de ceux qui sacrifient tout à leur but suprême. Il n’abandonne pas totalement les jeux de l’amour en inventant le personnage d’Anaztazia, inspiré de l'agent Garcia, alias Garbo, alias Arabal, - qui , à ma connaissance était du sexe masculin, mais "personne n'est parfait!" - et le trouble dans lequel cette femme jette le major américain induit sa fin tragique, aboutissement de toutes les manipulations des apprentis sorciers galonnés. Mais l’intérêt de Mensonges d’état réside dans l’attention que l’auteur porte à la « responsabilité des hommes », comme Shakespeare, Byron, Montaigne qu'il lui arrive de citer.

On disait souvent que seuls les auteurs anglais savaient animer leurs œuvres du souffle de l’Histoire. Après Pinter, Hare, Wesker, Harwood et Barker il faudra désormais compter avec Xavier Daugreilh.

Photos : © Pascal Victor

· * L’opération Jubilee fut une tentative de débarquement des Alliés le 19 août 1942 sur le port de Dieppe. Après neuf heures de combat, ils durent réembarquer. Près de 2000 hommes y laissèrent leur vie. Autant furent faits prisonniers.

Mensonges d’état de Xavier Daugreilh

Théâtre de la Madeleine

01 42 65 07 09

www.theatredelamadeleine.com

« Mozart composait-il en aryen ? » extrait d’une lettre de Richard Strauss adressée à Stefan Zweig lors de son exil à L

2013-02-10T17:05:00+01:00

L’illustre compositeur allemand, Richard Strauss, sollicite les talents de librettiste du très sensible, écrivain autrichien d’origine juive, Stefan Zweig. Cette « Collaboration » est le fruit d’une admiration mutuelle partagée par les deux artistes, puis ces échanges artistiques se transforment en amitié. Emmené tout entier par son art, voué corps et âme à son expression artistique, Richard Strauss impose le nom de Stefan Zweig sur les affiches de l’opéra qu’ils créent ensemble « la Femme silencieuse », cette œuvre ne se jouera que trois fois à Dresde… Adolphe Hitler a pris le pouvoir, en 1935 Stéphan Zweig quittera l’Autriche pour Londres, un long et interminable exil suivra jusqu’au Brésil.

Ronald Harwood, l’auteur, livre ici une remarquable leçon d’humanité. Une humanité qui n’est jamais tout à fait blanche, ni tout à fait noire, une humanité aux teintes grises pleine de nuances. Il soulève un questionnement philosophique essentiel sur l’Art, son terrain d’action et l’étendue de ses limites, et aussi sur la « fonction » même d’un artiste, le rôle qu’il tient au sein de la société, sa représentation, et sa foi en l'art.

La seconde guerre mondiale et son épouvantable déchaînement d’antisémitisme est certainement l’époque qui a reflétée ce qu’il y a de pire au cours de notre histoire proche. Et cette période, Ronald Harwood sait la décrire avec subtilité. La précision des dialogues est révèlée par un trait commun à la musique et à l’écrit : le ryhtme ! Et, « Collaboration » est servie par une mise en scène de Georges Werler tout aussi délicate placée dans l’écrin des décors très raffinés d’Agostino Pace.

Les comédiens (tous!) se glissent dans leurs personnages avec une habileté sans égal. Michel Aumont est totalement habité par Richard Strauss, et il en est de même pour Didier Sandre dans le rôle de Stefan Zweig ; la renommée et la grandeur de ces deux Monstres du théâtre sont aussitôt oubliées dès leurs premiers pas sur la scène du Théâtre de la Madeleine pour laisser vie à Stefan Zweig et Richard Strauss. Et puis, il y a la grâce, celle de Pauline Strauss, ou plutôt celle de Christiane Cohendy, un hommage tout entier rendu à toutes les femmes ; avec humour et raison, Christiane Cohendy canalise les affres de l’artiste, argumente pertinemment le propos, réserve de délicieuses sorties, un régal.

À n’en pas douter, Zweig et Strauss sont bien présents à chacune des représentations, attentifs, par-delà le paradis des artistes, ils doivent être ravis de voir ainsi leur « Collaboration » continuer d’une aussi belle façon sur les planches du Théâtre de La Madeleine. Quand de grands artistes s’emparent ainsi avec autant d’élégance de l’histoire d’autres grands artistes, une nouvelle histoire naît, intemporelle, elle gagne l’immortalité, une œuvre toute neuve s’inscrit. Bravo.

Laurence Caron-Spokojny

Photo : Bernard Richebé

Renseignement ici.

”VOLPONE ou le Renard” de Ben JONSON au Théâtre de la Madeleine

2012-09-30T15:29:00+02:00

Ben Jonson et William Shakespeare étaient amis, et rivaux, ils ont en commun une modernité qui, sur le modèle de la tragédie grecque, rend le texte accessible et compréhensible par tous.

De remarquables comédiens, très bien distribués, s’appliquent sur la scène du Théâtre de la Madeleine à divertir un public tout de suite conquis dès les premières répliques. Roland Bertin est Volpone, sans concession aucune, ce grand comédien se jette corps et âme dans les méandres de ce personnage odieux et sans scrupule. Et comme la sauce prend, emporté par le texte, Roland Bertin en rajoute, des tonnes et des tonnes, sans filet… et c’est parfait. Nicolas Briançon, quant à lui, est un habile et formidable Mosca, subtil et gracieux il délie la trame de la farce sur laquelle une troupe de comédiens épatants s’exercent et remportent la démonstration avec brio. La mise en scène de Nicolas Briançon, très classique, est juste et laisse parfois entrevoir les meilleures pages du théâtre de boulevard. Les textes sont bien dits, les déplacements sont fluides, la musique est bien choisie, le tableau est réussi. Il s’agit de théâtre, les traditions très anciennes de cet art sont ressuscitées ou revues, quelques danseurs illustrent le propos, le décor, aussi sombre que les personnages, se modifie au gré de l’histoire, et, les postiches des comédiens renouent avec la tradition de la commedia del arte.
Volpone est sans aucun doute une des pièces programmées, par les théâtres privés parisiens, à ne surtout pas manquer.

Laurence Caron-Spokojny

Une pièce de Ben Jonson - Mise en scène par Nicolas Briançon
Adaptation Nicolas Briançon et Pierre-Alain Leleu.
Avec Roland Bertin, Nicolas Briançon, Anne Charrier, Philippe Laudenbach,Grégoire Bonnet, Pascal Elso, Barbara Probst, Matthias Van Khache et Yves Gasc. Décors Pierre-Yves Leprince. Lumières Gaëlle de Malglaive. Costumes Michel Dussarat. RESERVATION ICI.

Familiale

2012-04-28T14:03:00+02:00

La mère (Catherine Hiegel) coud. Le père (Michel Aumont) ressasse. Le soir (lumières de Frank Thévenon) tombe sur le lac. Tout est de plus en plus sombre. Le printemps tarde et leur solitude croît. Plus de vie familiale. Le seul fils est parti on ne sait où, « il y a si longtemps qu’ils n’ont pas de nouvelles », parce que dans cette campagne isolée, il n’y a pas de travail. Mais ils savent aussi qu’ « il n’y a d’avenir nulle part ». Autour d’eux, les voisins partent ou meurent. « Ils trouvent ça tout naturel le père et la mère » aurait dit Prévert, car leur existence, c’est « la vie avec le cimetière ».

Dans le décor angoissant signé Jean-Marc Stehlé, Jacques Lassalle impose à ses comédiens des gestes mesurés, des déplacements rares. Une tristesse infinie sourd dès les premiers mots. Ces deux comédiens, poignants, ont ainsi construit subtilement des personnages abandonnés, qui semblent ne plus rien attendre de la vie.

Pourtant, ce soir-là, quand le car s’arrête pour déposer le voisin (Jean-Marc Stehlé) « parti faire des courses en ville »,- en réalité à l’hôpital pour un « contrôle » - le fils (Stanislas Roquette) revient. Ils pourraient courir vers lui dès qu’ils l’aperçoivent, ouvrir la porte, ouvrir leur bras, montrer leur émotion puisqu’ils parlent « tous les jours » de lui. Pas du tout, ils attendent qu’il entre, monte l’escalier. Ils restent coincés, immobiles, méfiants. Ils tendent la main, de loin, et répètent : « c’est gentil. » Le voisin leur aurait dit qu’il « était en prison ». Le croit-il ? Et le fils ? Muet, ironique, fuyant, il ne dément ni n’avoue… mais se fâche, s’en prend au voisin ivre, en lui criant : « Mais pourquoi tu racontes des choses pareilles ? »

Le voisin meurt. Le fils parle enfin : « Je n’ai pas été en prison. Je fais de la musique. Par-ci, par-là (…) et j’écris des chansons. ».

Il part, sans doute définitivement. Les parents reprennent leurs parlotes tandis que le noir lent s’installe.

De cette vie étriquée, de cette société close, le spectacle transmet un tableau très réaliste, qui devrait retentir comme une semonce pour les médiocres de la terre.

Le Fils de Jon Fosse

texte français de terje Sinding

Du mardi au samedi à 21 h

Dimanche, 16 h

Théâtre de la Madeleine

jusqu'au 15 juillet 2012