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Bells and Spells au Théâtre de l'Atelier

2019-03-14T13:12:00+01:00

Pour Bells and Spells la scène du Théâtre de l'Atelier déborde. Ce sont des masques extraordinaires, des habits aux couleurs du temps, des danses folles, des étoffes scintillantes, des êtres surnaturels qui s’animent, des chapeaux ou des abats jours ravissants, des peintures qui prennent vie et des décors qui glissent comme sur l’eau. L’univers de Bells and Spells d’Aurélia Thierrée, dessiné par sa mère Victoria Thierrée-Chaplin, est complètement dingue. Une folie douce au demeurant car c’est toujours d’amour dont il s’agit.

Après L'Oratorio d’Aurélia et Murmures des murs, dans Bells and Spells Aurélia Thierrée est cleptomane d’objets de toutes sortes ; rebelles et orgueilleux, bijoux et breloques finiront par prendre possession de la naïveté de leur ravisseuse.

Accompagnés par des artistes aux mines déconcertantes, Aurélia Thierrée et Jaime Martinez forment quelques pas de deux sous lesquels naissent des mondes oniriques et drôles. Du fond de ses grands yeux bleus étonnés et de son sourire confiant, Aurélia Thierrée s’émerveille du monde et s’applique à transmettre avec une grande justesse tout cet enchantement au public.
Des spectateurs suspendus, médusés, transportés ailleurs.

Avec l’insolence d’une fée, elle transforme les choses les plus simples, autant que les sentiments les plus humbles, en trésors inestimables, cela n’est pas s’en rappeler le talent de son illustre aïeul. Lissé par un sens du surréalisme audacieux, les époques se mélangent des années 30 au Moyen-âge, un rétropédalage sur une machine fantasque faite de portes manteaux grinçants qui pourrait sembler un brin mélancolique mais qui fait appel surtout à un vocabulaire artistique original se moquant bien de l’espace et du temps.

En écho à son frère James Thierrée qui mène tambour battant son « Raoul » à la Scala de Paris, l’alchimie créée par la mère et la fille Thierrée-Chaplin assemble imagination et ingéniosité pour un spectacle à la beauté sincère et pure.

Laurence Caron

photo ©Richard_Haughton

Premier Amour par Sami Frey au Théâtre de l'Atelier jusqu'au 3 mars

2019-02-05T11:30:00+01:00

Le public du Théâtre de l’Atelier s’est levé d’un bond. Salve d’applaudissements. Avec l’élégance féline qui le caractérise, Sami Frey a quitté la scène par la petite porte par laquelle il était entré près d’une heure trente plus tôt. Entre cette entrée sur scène et ce départ qui nous manque déjà, le comédien s’est oublié, totalement, pour céder la place à un personnage de Beckett, un seul en scène, une adaptation de la nouvelle Premier amour.

Une heure trente de texte. Au théâtre c’est en moyenne la durée d’une vie, ou tout au moins d’une tranche. Le personnage incarné par Sami Frey est assez ordinaire, à la fois alerte et nonchalant, avec toujours ces notes de désespoir dont Beckett se régale comme un enfant qui aurait fait une mauvaise blague. Avec Beckett, l’ordinaire fini toujours par devenir extraordinaire. L’auteur est un transformiste, volontairement il égare son public, ou son lecteur, pour mieux le piéger. Les chemins sont sinueux, si on se trompe de direction on peut vite sentir la terre se dérober sous ses pieds. L’apparente naïveté des êtres auxquels Beckett donne vie n’est créée que pour mieux aller trifouiller nos consciences. Il y a une sorte de cruauté qui se teinte d’humour, une façon élégante de dire les choses les plus pessimistes, les plus difficiles.

« C'est pénible de ne plus être soi-même, encore plus pénible que de l'être. »

En 1946, Becket écrit la nouvelle Premier amour, deux ans avant son chef d’œuvre du Théâtre de l'Absurde En attendant Godot. En 2009, Sami Frey s’empare de la peau du personnage de Premier amour, déjà au Théâtre de l’Atelier (vous savez, c’est le Théâtre de la place Charles Dullin, celui où on ne se trompe jamais, là où tout est toujours génial). Dix ans plus tard, l’expérience se renouvelle, la voix envoûtante de Sami Frey saisie les plus de cinq cent paires de tympans assis là. Dans une fascination quasi muette souvent secouée par quelques rires sarcastiques, les spectateurs sont frappés, médusés, totalement incapable de résister. Sami Frey est à l’œuvre. Magistral. Nous sommes ses prisonniers, consentants. Le texte naît dans l’instant, chaque intention est respirée, texturée. Beckett bat la mesure, Sami Frey n’en manque aucune avec une sorte d'humilité, celle qui accompagne les grands interprètes lorsqu'ils s'éffacent pour un auteur. Les intentions sont parfois lapidaires comme échappées d’une vérité que l’on ne parvient pas à étouffer. Rien n’est inutile, il n’y a aucune fioriture, tout est essentiel. Essence de l’humain. Sans concession, le personnage se raconte, doute, se contredit toujours, la sincérité sans faille de Beckett, Sami Frey en use et s’en amuse avec un naturel déconcertant.

« Le tort qu'on a, c'est d'adresser la parole aux gens »

Incroyablement juste, la mise en scène créée par Sami Frey est dépouillée, en apparence évidemment, comme le texte. Et puis il y a ce décor, dont la verticalité amène le comédien au plus près du public, sur le fond d'une feuille de tôle aux reflets rouillés qui laisse imaginer une cale de bateau, un crématorium qui ronronne ou la ligne de démarcation établie avec un purgatoire sans paradis. Comme il vous plaira. L'imagination est en marche.

« Elle ne semblait ni jeune ni vieille, sa figure, elle était comme suspendue entre la fraîcheur et le flétrissement »

La complexité et le minimalisme s’épousent l’un et l’autre pour ne faire plus qu’un, Beckett et Frey font se rejoindre les extrêmes avec une intelligence commune. Rare. C'est une vision profonde tout en demeurant un théâtre extrêmement divertissant. Un voyage aux confins de l’humain dans ses recoins les plus obscurs et un Premier amour loin d’être aussi romantique que son titre l’indique. Quoique... personne n'est là pour en juger mais plutôt pour ressentir. Je ne résume pas l’histoire, c’est à vous de la découvrir, de la vivre.

Voici un théâtre que l’on emporte avec soi, que l’on a envie de partager à raison et à travers, puis que l’on garde précieusement comme un des meilleurs souvenirs artistiques de sa vie. Tout simplement.

Laurence Caron

photo : Hélène Bamberger-Opale

Drôle de chameau !

2016-10-13T23:54:19+02:00

« Au théâtre, la scène est le lieu des conflits » répétait Anne Ubersfeld dans ses cours sur la dramaturgie. L’Éveil du chameau de Murielle Magellan en est une brillante démonstration puisque la pièce met face à face deux êtres que tout oppose.

Lui, Mickaël (Pascal Elbé), mâle jouisseur et cyniquement prédateur, a toujours refusé la responsabilité de la paternité, et au nom de ce seul principe ne s’est jamais occupé de son fils, Simon. Alors, quand Maryse (Barbara Schulz), bardée de principes, petite bourgeoise un peu guindée, débarque, il ne veut rien entendre des raisons qui la conduisent à réclamer son intervention. Que son fils Simon ait abandonné Claire, la fille de Maryse, peu lui importe ! Que Claire attende un enfant de Simon, ce n’est pas son affaire ! Et que Maryse le traite de « chameau », quand il attendait plutôt le mot « salaud », il s’en moque !

Et ce ne sont pas les conseils ou le remarques de son assistante (Valérie Decobert) qui vont changer son attitude.

Mais Maryse est déterminée, et tenace, du genre à rentrer par la fenêtre quand on la met à la porte, alors peu à peu, le drôle de chameau s’apprivoise… Mais Mickaël est séduisant, et Maryse découvre la puissance du désir… Ses sens s’éveillent chez elle, tandis que chez lui, ce sont les sentiments…

Nous n’en dirons pas plus…

Tout paraît sage dans la mise en scène d’Anouche Setbon, dans le décor et les costumes d’Orua Puppo, mais les lumières de Patrick Clitus, la musique de Michel Winogradoff, soulignent les étapes des personnages.

Barbara Schulz froide Maryse, mère douloureuse et appliquée devient sensuelle, Pascal Elbé hautain et railleur sent vibrer la compassion paternelle, Valérie Decobert, souriante et soumise se révolte.

Chaque réplique aiguise l’épée de l’autre, et il faut voir ce duel passionnel.

Photo : © Chantal Depagne Palazon

L’ Éveil du chameau de Murielle Magellan

Théâtre de l’Atelier

Du mardi au samedi à 19 h

Samedi à 16 h 30

Tel : 01 46 06 49 24

Le texte est édité dans une nouvelle collection "les quinquets de Dacres" aux éditions Dacres

Le jeu du désamour

2016-09-28T11:35:00+02:00

Ces deux-là n’auraient jamais dû se rencontrer. Elle, Marguerite (Myriam Boyer) petite-fille de bourgeois chef d’entreprise, et lui, Émile (Jean Benguigui), vrai prolo. Mais ils vivent dans le même quartier d’une banlieue où les prometteurs immobiliers démolissent les pavillons et les usines désaffectées. Elle est veuve, lui aussi. Ils avaient cru qu’ « unir leurs solitudes » suffirait à recréer un couple. Celui du Chat dans le roman de Georges Simenon est terrifiant de détestation. Pour la première fois au théâtre, l’adaptation du roman, signée Christian Lyon et Blandine Stintzy restitue l’atmosphère sombre du roman.

Elle aime la grande musique, lui préfère guincher dans les guinguettes. Elle a un perroquet, Coco, parce que « ça lui fait quelqu’un à qui parler ». Il a reporté toute son affection sur le chat qu’il a recueilli, et nommé Joseph. Elle est bigote et trouve choquant de donner un nom de saint à un animal. Femme de principes et homme intègre, ils ont vécu jusqu’alors des petites vies résignées et remué des pensées mesquines. Ils ne vont pas réussir à s’apprivoiser. Car, comme toujours chez Simenon, les protagonistes, contraints par leur position sociale, ont un passé qui brise tout élan vers l’autre. Quand le chat meurt, les couteaux sont tirés, les hostilités commencent.

Nous ne saurons jamais qui a tué le chat Joseph, mais peu à peu, par des retours en arrière, des bonds au présent, nous apprendrons tout du désert affectif de Marguerite et d’Émile.

La mise en scène de Didier Long présente remarquablement les trois temps de ce jeu du désamour. Dans les lumières de Philippe Sazerat, le décor Jean-Michel Adam installe à jardin, la cuisine de formica, modeste et propre, à cour le salon, simple et confortable. Au centre de la scène un panneau tournant montre le temps de la rencontre et de l’espoir, avec l’image colorée et chaude d’une petite rue provinciale pavée, bordée de charmantes maisonnettes. Puis vient le temps des malentendus, avec les pavillons murés et le ciel gris rayé par le bras d’une grue menaçante. Enfin, apparaît le temps de la malveillance et des antagonismes, avec l’amas de gravats et de moellons, les grues, et une bande sonore insidieuse qui use les nerfs et empêche toute communication. La musique de François Peyrony souligne les sentiments des deux personnages. Il est odieux. Elle devient abominable. Ils se haïssent et chacun sait que « la haine est l’hiver du cœur »[1].

Myriam Boyer interprète une Marguerite revêche, guindée, mais attendrissante par instants, murée à jamais dans une posture d’enfant, bouleversante dans sa confession : « mon cœur n’a pas grandi, il s’est recroquevillé. » Jean Benguigui compose un balourd impressionnant qui voudrait bien faire et n’en peut mais.

La direction d’acteurs de Didier Long les rend poignants tous les deux. Nous ne pourrons pas donner raison à l’un ou l’autre, car c’est cet étrange duo qui nous émeut et qu’il faut voir. Nous en serons peut-être plus indulgents envers ceux que la vie a malmenés.

Le Chat d’après l’œuvre de Georges Simenon

Adaptation de Christian Lyon et Blandine Stintzy

Mise en scène de Didier Long

Théâtre de l’Atelier

01 46 06 49 24

Du mardi au samedi 21 h

Dimanche à 15 h

[1] -Victor Hugo. Les Contemplations, « Il fait froid ».

Richard Bohringer, le retour

2016-03-13T16:42:20+01:00

Richard Bohringer est de retour.

Seul en scène. Œil pétillant, sourire aux lèvres. Il nous raconte des bouts de sa vie, écrits dans les attentes, rejoués dans les espoirs, imaginés dans les craintes.

Car, pour lui, depuis longtemps, « L’écriture est la seule vérité. Être vertical. Jeter les germes de l’amer. Trouver le son qui fera rebondir. L’inspiration court comme un nuage. Vite et sans remords. Le désespoir d’écrire devient cristal. Écrire.

Dieu païen, aide ton serviteur. Donne-moi l’oiseau bariolé. Celui qui aide à souffler la page blanche. »

Il dit sa « révolte », son présent, et un peu son espérance.

Il se confesse : « Je suis pas un gars de la syntaxe. Je suis de la syncope. Du bouleversement ultime. Je me fous du verbe et de son complément. »

Il évoque ses copains, embarqués dans « l’aéronef céleste », et conseille : « Faut pas faire le malin avec les mots. Faut les aimer. Ça file du bonheur les mots. »

Les siens, nous filent un sacré coup de tendresse.

Photo : © Alain Rousseau

Traîne pas trop sous la pluie de et par Richard Bohringer

Théâtre de l’Atelier,

Du mardi au samedi à 19 h

01 46 06 49 24

Pour trente représentations

depuis le 8 mars

Un grand texte

2016-01-16T17:15:00+01:00

Dans le théâtre encore désert où veille la servante, les comédiens arrivent, l’un après l’autre : Benoît (Yvan Le Bolloc’h), la vedette, René (Jean-Jacques Vanier) tout excité de jouer avec lui, Jean-Pierre (Jean-Pierre Malignon) le vieux routier, et Alice, dont l’accent italien les charme tous. Ils attendent Gilbert Loiseau (Jean-Luc Porraz) un metteur en scène un peu allumé, et son assistant (Aurélien Chaussade).

Ils vont préparer, pour le soir même, un spectacle « sans décor, sans costume » et probablement sans subvention, en hommage à Jean Vilar « Ah ! le grand homme ». Ils courent « au casse-pipe », mais ils se lancent…

Exercices de voix, gesticulations, improvisations, le tohu-bohu dérange Michel-Michel (Stephan Wojtowicz) le sous-directeur du théâtre. On se dispute un peu, chacun tente de tirer la couverture à soi. À part Benoît, ils ont, en réalité tous besoin de cachetonner.

Il faut bien reconnaître qu'il leur manque "un grand texte". Enfin, Gilbert trouve « l’idée », rejouer Le Cid qui fut un des succès de Jean Vilar, avec Gérard Philipe. C’était compter sans les ombres qui hantent les théâtres, les grands fantômes dont les voix ne se sont jamais tues vraiment et qui vont intervenir.

Ah ! Le grand homme  de Pierre et Simon Pradinas  est une parodie clownesque, parfois brouillonne, mais souvent bon enfant. Panchika Velez, qui la met en scène, obéit aux lois du genre farcesque. On y égratigne le rôle du metteur en scène, on esquisse une doléance envers les décideurs, on se plaint du manque d’argent, et les comédiens jouent toujours avec passion.

Ah ! Le Grand Homme  de Pierre et Simon Pradinas 

mise en scène de Panchika Velez 

Théâtre de l'Atelier

01 46 06 49 24

www.theatre-atelier.com

”J'avais un beau ballon rouge ” au Théâtre de l'Atelier

2015-11-30T22:19:00+01:00

J’aurai bien aimé que Romane Bohringer soit mon amie. D’aussi loin que je me souvienne j’ai toujours eu cette drôle d’impression. Cela doit être un truc de fan, une sensation familière et un peu irrationnelle.
Ce soir-là, chacune à notre place, elle, sur scène, et moi, dans les rangs des spectateurs, nous avons rendez-vous au cœur de Montmartre, là où le fantôme de Charles Dullin hante encore les cintres, dans le très précieux Théâtre de l’Atelier.

Pour la pièce « J’avais un beau ballon rouge », Romane Bohringer est aux côtés de son père Richard Bohringer, c’est une première fois. Troublant.

Quelle chance inouïe pour une fille et pour un père, pour deux acteurs, de partager la même scène, de s’engager dans l’imaginaire d’un même auteur, et, par-delà même les techniques de jeu et l’expérience de l’art dramatique, d’aller puiser dans d’intimes ressources pour donner vie à un tout autre père et à une toute autre fille.

Comme pour un voyage dans une dimension parallèle, le père et la fille sont projetés en Italie pendant les années de plomb, entre 1965 et 1975. Le texte d’Angela Demattè invente une étudiante idéaliste qui devient une jeune femme sublimée par la révolution et trop tôt emportée par son époque. Face à elle, ou plutôt tout contre elle, se tient un père aimant, il cherche à comprendre sa fille, il cherche à protéger son enfant. Comment retenir un enfant qui s’échappe vers un ailleurs dangereux ? Comment nuancer le discours de son enfant lorsqu’on est témoin de son endoctrinement ? Les questions que pose l’auteur sans jamais porter de jugement, ni sur le père, ni sur la fille, se révèlent être d’une actualité effroyable. Sans tomber dans le mélodrame, le duo Bohringer est d’une grande justesse, aériens et profonds, les artistes se fondent dans leurs personnages et laissent transparaître avec une élégante pudeur un lien d’une force infinie. Plus qu’une histoire terrible aux rebondissements douloureux, il est question d’amour, le meilleur, le désintéressé, l’absolu. La tendresse et le respect, que le père et la fille entrelacent au questionnement social et politique, s’inscrivent dans une problématique humaine et inévitablement contemporaine.

Richard Bohringer excelle, il est d’une sincérité désarmante, il a cette simplicité de jeu façon Brando, sorte de décontraction apparente dont de très rares acteurs ont le secret. Romane Bohringer, quant à elle, ne prend aucune distance avec les éléments, elle vole très haut où s’ancre dans la terre, intense, elle se jette, elle est le personnage. Ils sont magnifiques.
La mise en scène de Michel Didym se lit sans aucune hésitation, dix années s’égrènent comme à la lecture d’un bon roman, la douceur des teintes des décors et leurs glissements permettent aux interprètes d’exprimer leurs sentiments sans heurts, l’atmosphère dessinée est une évidence.

Bouleversée, presque aux larmes, et le cœur bourré de reconnaissance pour « mes amis » de la scène, je quitte la chaleur du Théâtre de l’Atelier. Je traverse mon vieux quartier des Abbesses, celui de mes vingt ans, j’emporte avec moi une histoire violente, comme celle qui nous poursuivent parfois jusque dans nos vies, et puis ce parfum d’innocence celui de l’amour d’un père pour sa fille - et l’inverse aussi.

Merci. Cette pièce est un cadeau.

Laurence Caron-Spokojny

Danser comme des païennes

2015-10-05T17:34:00+02:00

Il y en a qui sont persuadés que nos racines sont chrétiennes, les ignorants ! Ils ont tout oublié de nos racines païennes, ou alors, ils ne les connaissent pas. Ils devraient aller plus souvent au théâtre. Car, Brian Friel*, un Irlandais — et qui est plus catholique qu’un Irlandais ?— nous rappelle, avec Danser à la Lughnasa que dans la mythologie celte, les paysans, après la moisson, fêtait le dieu Lug.

Et, nous dit Wikipédia : « Il s’agit de la fête du roi dans sa fonction de redistributeur des richesses et d’équité, sous l’autorité des druides . C'est une trêve militaire qui célèbre la paix, l’amitié, l’abondance et la prospérité du royaume. Elle est obligatoire et réunit les trois classes (sacerdotale, guerrière et artisanale) de la société celtique. » Il paraît qu’il y avait l’équivalent en Gaule, le Concilium Galliarum.

Quand ils sont devenus chrétiens, les Irlandais ont conservé cette fête païenne.

Et, au cœur de cet été 1936, les cinq sœurs Mundy voudraient bien aller fêter la Lughnasa. Agnès (Léna Bréban), Rose (Lola Naymark), Kate (Claire Nebout), Maggie (Florence Thomassin), sont encore célibataires, et regardent avec envie leur petite sœur, Chris (Lou de Laâge) qui, elle, a connu l’amour dans les bras d’un beau parleur Gerry (Alexandre Zambeaux). Sacré drôle ce Gerry ! Affabulateur comme le Mahon imaginé par Synge, (Le Baladin du monde occidental) et allant d’échec en échec dans tous ses projets comme le Platonov de Tchékhov. Les femmes, elles sont des sacrifiées. Vies ratées, tragiquement solitaires, mais que la confiance en l’avenir, la foi, tiennent debout. Alors, cet été-là, elles veulent enfin s’amuser, danser comme des païennes.

Leurs chamailleries, leurs espoirs, leurs secrets et leurs désillusions nous sont contés, quelque cinquante années plus tard, grâce à l’enfant, devenu homme, puis vieillard (Philippe Nahon).

Le metteur en scène, Didier Long, restitue avec finesse l’atmosphère violente et tendre de cette famille, la gravité de cette époque. Il signe avec Bernard Fau une scénographie adroite. Les comédiens, bien dirigés, transmettent la fragilité de ces personnages, le rêve et l’amertume de ces destins ordinaires.

Danser à la Lughnasa de Brian Friel

Texte français de Alain Delaye

Théâtre de l’Atelier

01 46 06 49 24

Il est toujours délicat d’adapter pour la scène, une œuvre qui a été conçue pour la lecture. Ancien malade des hôpitaux de Paris est d’abord un court roman de Daniel Pennac où le docteur Galvan, urgentiste de garde, vit une nuit d’apocalypse.

Un patient qui « ne se sent pas très bien », présente les uns après les autres, tous les symptômes de maladies mortelles. Le Docteur Galvan le trimballe à toute allure dans tous les services, avant de… Mais gardons-nous de dévoiler la fin.

Combien de personnages ? Une trentaine dans le roman. Combien de comédiens sur scène ? Un seul, Olivier Saladin, véritable génie comique.

Il est tour à tour le Dr Galvan et sa compagne, tous les pontes de la chirurgie qui épient et commentent son diagnostic et ses capacités, l’infirmière de garde et le brancardier, l’anesthésiste et le patient, sans compter les malades de la salle d’attente où « ça sentait la douleur humaine » et la médecin légiste de la morgue.

Il prend des accents différents, des phrasés distinctifs, des gestes particuliers pour incarner to