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Rendez-vous théâtre avec l'oeil éclairé d'Agnès notre critique du XIVè

2018-07-22T11:18:00+02:00

Comédiens

C'est d'après l'opéra de Ruggero Leoncavallo Paillasse (1892) qu' a été créée cette pièce . Trois comédiens venus de Province ayant rencontré un gros succès avec un vaudeville intitulé " Au diable Vauvert", sont venus à Paris pour le jouer et espèrent obtenir le même triomphe.

Pierre (Fabien Richard) et Coco (Marion Préité) mariés depuis 12 ans attendent Guy (Cyril Romoli) affublé d'un tic qui a eu juste quatre jours pour apprendre son texte. Arrivé sur place, ce dernier est affolé par la petitesse de la salle. Pierre nerveux comme tout est un metteur en scène qui va devoir faire face à la situation. En plus de son stress du à la préparation de ce vaudeville, il va découvrir qu'il est un mari trompé. C'est alors que sa jalousie explose. Et au cours de cette dernière répétition la tension va augmenter, augmenter…

Finalement, Pierre n'étant pas présent au début de la représentation, Coco et Guy sont contraints d' improviser. Une nouvelle pièce pleine de fantaisie va naître sur scène. Avec un rythme montant en puissance, accompagné d'une excellente interprétation. De plus, les trois personnages ne font pas qu'interpréter. Ils chantent, dansent, et un piano, une guitare complètent le tout.
Bref, même si l'on peut éventuellement reprocher un côté un petit peu loufoque par moment , c'est un spectacle attrayant, dynamique, bien conçu et idéal pour enjoliver des vacances…

Agnès Figueras-Lenattier

Plus d'infos :
Theâtre de la Huchette 23 rue de la Huchette

Métro : Saint-Michel

À l'occasion d'un week-end de travail

2016-10-20T17:21:00+02:00

Sketchy, Quiet, Dull, (hopefully not) Backward

2015-09-13T18:48:00+02:00

Je sors d'une séance de travail publique à Bastille où Benjamin Millepied, pas avare de son temps ni de sa personne, a fait répéter un extrait de sa nouvelle création Clear, Loud, Bright, Forward, après avoir parlé de ses intentions pour le ballet. Benjamin Millepied devrait faire un bon manager : il a le désir d'accompagner les danseurs dans leur carrière, de ne pas briser leur élan en les faisant poireauter trop longtemps et de faire ressortir ce qu'il y a d'unique chez chacun d'eux. Il est attentif à leur santé, veille à ce que leur entraînement soit régulier (ne pas passer trois mois pieds nus avant de remettre les pointes). Pendant la séance de travail, il ajourne la reprise d'un passage qui ne passe pas, car c'est toujours le même muscle qui est sollicité et il ne veut pas leur faire risquer la blessure, surtout en cette période de reprise où le corps n'est pas aussi réactif que le restant de l'année. Benjamin Millepied est également conscient des réalités économiques : à la question de savoir s'il veut proposer une nouvelle version des grands classiques, il répond que, dans l'absolu, il aimerait, mais que cela coûte une fortune et que dans l'immédiat, il préfère « mettre des sous » dans des créations d'aujourd'hui. Il a également une vision très lucide des forces et des faiblesses du ballet de l'Opéra, de son répertoire (non, tous les ballets de Noureev ne se valent pas ; sa version n'est pas toujours la meilleure) et de ce que chaque école peut apporter (clairement, pour faire travailler le Lac, c'est en Russie qu'il faut aller voir). Et s'il encense la culture et la curiosité de ses interprètes, il déplore aussi le manque d'éducation à la chorégraphie, notamment dans le domaine musical. Petipa et compagnie avaient des connaissances musicales très poussées ; Balanchine était capable d'écrire des réductions pour pianos à partir de partitions complexes ; et aujourd'hui, eh bien, nous avons Millepied.

Son idée d'ouvrir une académie de chorégraphie pour retrouver le savoir-faire des maîtres de ballets d'autrefois est une excellente idée : n'en déplaise à notre tendance élitiste (et paresseuse) à considérer le talent comme inné, beaucoup de choses sont à acquérir. Que l'on pense par exemple, dans le domaine littéraire, aux cours de creative writing : ils ont fait des Anglo-Saxons les maîtres du storytelling et, snobés, peinent à s'implanter par chez nous. Là où le bât blesse, mettons les pieds dans le plat, c'est que Benjamin Millepied est aussi piètre chorégraphe qu'il s'annonce bon directeur de la danse. Je suis tout à fait d'accord avec lui (comme sur à peu près tout ce qu'il a dit) qu'il y a actuellement peu de bons chorégraphes classiques ; il n'en fait hélas pas partie. Certes, il connaît bien le vocabulaire classique, qu'il utilise assez largement, travaille le pas de deux en artisan et invente des combinaisons charmantes, mais son travail n'est absolument pas musical. On peut se moquer de Noureev et de son « un pas sur chaque note » ; Benjamin Millepied, c'est trois pas entre deux notes. Chez Wayne McGregor, au moins, la précipitation, alliée à l’extrémisme de la gestuelle, porte une certaine fougue et même, la première fois, éblouit. Chez Benjamin Millepied, la précipitation verse dans la lenteur – c'est du pareil au même quand la musique doit se charger seule d'indiquer le changement d'atmosphère ; adage ou allegro, qu'importe, tout est égal. Le directeur peut chorégraphier sur ses deux oreilles ; danse et musique font chambre à part. Résultat, lors de cette séance de travail, j'ai peiné à voir une différence entre le début et la fin de la répétition, alors qu'il y a d'ordinaire un avant/après très net et que les danseurs n'ont pas ménagé leur peine pour intégrer les corrections. Au final, malgré la présence souriante très sympathique de Marion Barbeau et Yvon Demol, cette séance de travail aura été plus intéressante pour ce qui a été dit par le directeur de la danse que fait par le chorégraphe. Pas parler, faire, répétait Noureev...

Gathering at a dance rehearsal

2014-06-08T10:18:00+02:00

Merci à @IkAubert pour la photo !

Si je devais recommander une manifestation à quelqu'un qui a l'impression de manquer de connaissances pour apprécier la danse, ce serait quelque chose comme la séance de travail de Dances at the Gathering. La répétitrice, Clotilde Vayer, parvient à faire comprendre comment s'apprécie un ballet qui n'est ni pure démonstration technique ni œuvre narrative. Elle ne cède pas à la tentation, particulièrement forte pour les ballets narratifs, d'étendre la stricte équivalence geste-signification de la pantomime au ballet ; elle ne « traduit » pas au fur et à mesure les pas pour raconter une histoire qui leur pré-existerait (c'était par exemple le cas pour la répétition de Mademoiselle Julie). Ses métaphores, jamais filées, font comprendre au danseur que chaque geste doit être porté par une intention, quelle qu'elle soit (pourvu qu'elle soit claire pour lui), et au spectateur qu'il peut interpréter à sa guise les saynètes qui prennent ainsi vie. Ici, un salut à la Ghislaine Thesmar, merci public adoré ; là, une demoiselle qui tourne comme une abeille autour d'un garçon imperméable à ses bavardages ; là encore, un geste esquissé parce que c'est bien assez, on ne va pas démontrer ce qu'il est évident que l'on sait déjà faire...

On constate au fil de la répétition que l'imagination du spectateur se délie à mesure que l'image se fixe pour le danseur : plus le geste est précis, plus il suggère des interprétations diverses. C'est pourquoi, malgré tout le talent des jeunes danseurs que sont Pierre-Arthur Raveau et Héloïse Bourdon, Sabrina Mallem est beaucoup plus passionnante à observer, avec une maturité qui lui permet d'assimiler très rapidement les remarques de Clotilde Vayer. À se demander pourquoi diable je n'ai pas pris de place pour ce spectacle. La réponse est dans la suite du programme : Psyché, sur lequel il faudrait, à l'instar de son héroïne éponyme, fermer les yeux.

Pour un compte-rendu plus détaillé : nos greffières balletomanes, le petit rat et Amélie

Stéphanie Paulet

2013-11-22T10:43:00+01:00

En répétition. Festival Baroque & Plus

Dany Landry, chef de choeur

2013-06-01T11:09:00+02:00

En répétition