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En attendant Godot au Théâtre de l'Atelier

2026-03-30T10:06:00+02:00

A Paris, en 1948, Samuel Beckett traverse une période sombre. Après s’être engagé au sein de la Résistance, l’auteur irlandais et futur Prix Nobel de littérature (1969), s’interroge sur la condition humaine. Ce désenchantement d’après-guerre va créer une véritable révolution théâtrale. « En attendant Godot » est écrit en français, une langue pour laquelle Beckett nourrit un véritable attachement en y révélant un style volontairement sobre. Roger Blin a créé la pièce en 1952 au Théâtre de Babylone, Peter Brook à Londres en en 1955, puis Jean Vilar, Antoine Vitez, Patrice Chéreau, Patrice Kerbrat, Alain Françon, … la liste est longue. Sur les bancs des écoles autant que dans les théâtres privés ou subventionnés, « En attendant Godot » est une œuvre majeure, un monument.

Au Théâtre de l’Atelier, après son superbe Fin de partie (Molière du comédien pour Denis Lavant 2025), Jacques Osinski fait à nouveau vivre Beckett, non pas comme un auteur moderne, mais radicalement contemporain. Il s’empare de la pièce avec le plus grand respect, sans s’aventurer dans des effets superflus : il joue la sobriété et la fidélité à l’œuvre première. Ainsi dénué d’artifices, le texte apparaît presque nu, et les comédiens sont tout à leur aise pour l’incarner. Dans cette atmosphère minimaliste, les silences révèlent la fragilité de l’existence, avec, en fond, un humour qui fait naître une sorte de musicalité désespérée, terriblement mélancolique. On rit quand même, et même souvent.

Car, au-delà de la gravité du sujet exploré, Osinski a la ferme intention de faire naître des émotions par une lecture lisible, révélant surtout l’humanisme de Beckett. La souffrance, l’attente, l’échec, le passage du temps, cette sorte de fatigue d’exister : ces personnages démunis font preuve d’une grande honnêteté, à la fois glaçante et terriblement attachante. Pour incarner les personnages de Beckett, une brillante distribution est déployée sur la scène du Théâtre de l’Atelier : Denis Lavant, Jacques Bonnaffé, Aurélien Recoing, Jean-François Lapalus et Peter Bonke (en alternance).

Sous l’arbre emblématique souhaité par Beckett, Denis Lavant est Estragon et Jacques Bonnaffé est Vladimir ; le duo formé est d’une tendresse absolue, bouleversante, jouant entre une sorte de naïveté enfantine et une lucidité glaciale. Face à l’impressionnante inventivité de Denis Lavant, Jacques Bonnaffé répond avec poésie ; les deux comédiens créent des vertiges de solitude soulignés par des traits burlesques, comme si le tragique ne pouvait se passer du comique. D’ailleurs, on le sait, « mieux vaut rire que pleurer » : le secret de l’existence est bien là, et c’est encore et toujours au théâtre que les choses se disent le mieux.

Laurence Caron

photo Pierre Grosbois

FIN DE PARTIE au Théâtre de l'Atelier : Prolongation jusqu'au 16 avril !

2023-02-09T12:59:00+01:00

22/01/2023.

Au Théâtre de l’Atelier le spectacle commence dans la salle : les soirs de premières la fréquentation fourmille de comédiens et comédiennes, ils ont le regard vif qui porte loin et le salut fraternel, avec une assiduité sans failles ils viennent soutenir et applaudir leurs copains. Alors que le pays gronde son mécontentement face aux réformes annoncées, ici personne ne discute et encore moins attend les directives gouvernementales pour décider l’âge de la retraite, il n’est pas question d’arrêter de jouer, jamais. A ce propos, le théâtre de la Place Charles Dullin tient sa programmation au plus près du temps qui passe, le sujet de « Fin de partie » est d’ailleurs très nécessairement inspirant. Dont acte.

La pièce, écrite en 1957 par Samuel Beckett, est un huis-clos tragi-comique dont la savoureuse étrangeté littéraire traite de la dégradation des corps, de la fuite des esprits, de l’impotence des sentiments, et pas seulement… Cette inévitable et cruelle fin d’existence, Beckett l’attaque comme une énigme, il apporte des indices teintés d’humour noir, truffés de répliques corrosives, parfois tendres, en ne s’épargnant pas d’aller enquêter au fin fond de nos âmes, recoins sombres, affres et autres tourments.

L’espace est indéfinissable, un peu démesuré, résolument abstrait. Comme si les angoisses existentielles de Samuel Beckett ne suffisaient pas à égarer ses personnages, Yann Chapotel, à la scénographie, et Jacques Osinski, à la mise en scène, œuvrent pour embarquer avec eux la salle toute entière dans l’envers du décors. Le tour est adroit, le spectateur sans défense, piégé dans l’immobilité passive des rangs de velours, assiste au drame. Un drame miroir, un peu, forcément.

Frédéric Leidgens est Hamm, il nous accueille dans sa demeure tel un roi shakespearien. Paralysé, coincé dans un fauteuil-trône, il a perdu l’usage de la vue comme celui de ses espérances. De ses grandes et belles mains fines, le vieillard fantasque exprime les derniers mouvements de la vie tout autour de lui comme les derniers soubresauts d’un animal blessé. Une sorte de puissance presque machiavélique le tient en alerte lorsqu’il s’agit de tyranniser Denis Lavant (Clov). Souffre-douleur, un peu résigné, parfois révolté, attentif et infiniment touchant, Denis Lavant propose une partition dansante entre commedia dell’arte et mime, il est un pantin désarticulé au visage drôle ou émouvant, héritier légitime de Chaplin ou Marceau. Enfin, émergeants de cercueils aussi cylindriques que de grandes poubelles, les très malins, Claudine Delvaux (Nell) et Peter Bonke (Nagg), apportent une part d’humanité qui vient nous saisir à des instants totalement inattendus.

La pièce est annoncée pour durer 1h50, cependant on soupçonne les comédiens de jouer les prolongations, il est fort à parier qu'ils se délectent dans les formidables répliques de Beckett, qu'ils cherchent à révéler des mondes parallèles dont peut-être même l’auteur en ignorait l’existence, et qu'ils goûtent avec gourmandise autant les silences émus que les rires des spectateurs. Rarement, décors, interprètes, mise en scène, lumières jusqu’aux costumes ne se sont aussi bien accordés. « Fin de partie » au Théâtre de l’Atelier est une création artistique, dramatique et plastique qui restera pour toujours. Attention chef d’œuvre !

Laurence Caron

L'Autre

2009-02-14T12:20:14+01:00

Anne-Marie se sépare d'Alex. Il veut une vraie vie conjugale. Elle veut garder sa liberté. Ils se séparent sans heurt et continuent à se voir.Pourtant, lorsqu'elle apprend qu'Alex a une nouvelle maîtresse, Anne-Marie devient folle de jalousie. Et bascule dans un monde inquiétant, fourmillant de signes et de menaces.Ce pitch, la revue de presse dithyrambique et la présence de Dominique Blanc (qui a décroché la récompense de meilleure actrice à la Mostra de Venise avec ce film en 2008) m'ont incité à aller voir L'Autre, deuxième film du tandem Pierre Trividic et Patrick Mario Bernard.Techniquement, nous avons affaire à du haut vol. La photographie est nettement influencée par l'œuvre de Michael Mann, tout comme l'environnement urbain qui est un personnage à part entière. La prise de son est très soignée et rejoint bien entendu le souci du détail propre aux bandes-sons de Lynch, qui sont un élément essentiel pour rentrer dans l'exercice de style métaphysique qui consiste à faire ressentir physiquement les émotions d'une personne qui sombre peu à peu dans une perception altérée de la réalité.La seule limite de L'Autre est peut-être d'être trop cérébral, et de ne pas offrir suffisamment d'inquiétude dans l'étrangeté promise. Du coup, les 97 minutes du film semblent parfois un peu longues. C'est probablement un film à revoir, car son parti-pris de grande sécheresse en fait une œuvre difficile à réellement aimer. Il est indéniable que le sentiment de paranoïa et de malaise continue de hanter l'esprit après la projection. Il y a juste un goût d'inachevé : personnellement j'aurais aimé que le film aille plus loin dans son dérangement, à l'instar d'un Haneke.7/10