”Camus – Casarès, une géographie amoureuse” à la Piccola Scala jusqu'au 29 janvier

2023-01-08T18:26:00+01:00

L’accident de voiture qui arrache Albert Camus à la vie, le 4 janvier 1960, ne le sépare pas pour autant du monde. Son œuvre radicale, infatigablement révoltée et profondément humaniste cousue de poèmes, essais, pièces de théâtre, nouvelles, films et romans, occupe les programmes scolaires et bibliothèques jusqu’aux personnalités politique qui s’en inspirent tour à tour sans hésiter à s’en disputer allègrement l'héritage depuis plus de 60 ans. Mais, ce que l’on connaît peut-être un peu moins du Nobélisé, c’est l’amoureux qu’il fut. A 47 ans, la veille de sa mort, Albert Camus a trois femmes dans sa vie : Francine sa femme, pour laquelle il s’accusera toujours d’être la cause de la dépression dont elle souffre, MI sa plus récente maîtresse, mannequin chez Jacques Fath, et la comédienne Maria Casarès dit « l’unique », un amour ressuscité en 2017 grâce au recueil « Correspondances 1944-1959 » (Gallimard, collection Blanche), sous l’impulsion d’une autre femme essentielle, Catherine la fille d’Albert Camus, qui consacre sa vie encore aujourd’hui à l’œuvre de son père.

“Plus je vieillis et plus je trouve qu’on ne peut vivre qu’avec les êtres qui vous libèrent, qui vous aiment d’une affection aussi légère à porter que forte à éprouver. Albert Camus

Mises en vie sur les planches de la Piccola Scala en ce début d’année 2023, "Camus – Casarès, une géographie amoureuse" reprend ces correspondances, à la fois tendres, bienveillantes et enflammées parcourant une période de l’histoire particulièrement tumultueuse. Le colonialisme dénoncé par Camus, et, ses prises de position nourries par son adoration pour son pays natal l’Algérie, se heurtent à la Guerre froide qui rôde. Le communisme goûte ses instants de gloire, chacun en prend sa part jusqu’aux artistes comme Gérard Philipe ou bien Jean Vilar dont l’anecdote d’un déjeuner avec Camus, raconté dans la pièce, est particulièrement savoureuse. Sautant d’un continent à l’autre, l’un pour des conférences et entretiens savants et l’autre pour la création d’œuvres théâtrales ou cinématographiques, Camus et Casarès, s'écrivent en des échanges dansants qu’il s’agisse de questions politiques, sociales, culturelles ou des petits tracas du quotidien. Outre l’intérêt commun de Camus et Casarès pour le camp républicain espagnol, la tragédienne et l’écrivain partagent leur points de vue et expériences sur la naissance des œuvres théâtrales de Camus. Dès 1944 dans « Le Malentendu » au Théâtre des Mathurins, Maria Casarès crée le rôle de Martha, puis c’est celui de Dora dans « Les Justes » (avec Serge Reggiani et Michel Bouquet, mise en scène de Paul Oettly) au Théâtre Hébertot en 1949. Le propos est passionnant…

Après leur succès en Avignon, Teresa Ovidio et Jean-Marie Galey reprennent les rôles du couple mythique. Passionnée et un peu sauvage, Teresa Ovidio use de son accent rythmé et chaleureux pour faire revivre Maria Casarès ; ce fameux accent qui justement avait recalé Maria Casarès lorsqu’elle s’était présentée pour la première fois au concours d’entrée du Conservatoire National d’Art Dramatique. Dans un genre plus mesuré mais dont les mots sont tout aussi brûlants, Jean-Marie Galey incarne un Albert Camus résolu mais torturé par les remords pour sa femme Francine. Les deux comédiens s’oublient dans leurs personnages, les mots ne se délient pas en encre et papier, ils sont des images en noir et blanc, l’intimité de leurs sentiments s’entremêlent à une actualité vibrante, de l’Algérie au midi de la France, en passant par Avignon jusqu’à Paris. L’écriture contrastée des deux légendes transpercent le cœur, ce sont des flèches dont les pointes sont élégamment aiguisées, jamais ici les échanges ne manquent de respect, il y a comme une admiration commune, peut-être une démonstration idéale de ce que peut-être le véritable amour.

Laurence Caron

Photo : Frédéric Buira

”Un vivant qui passe” au Théâtre de l'Atelier, lecture de Sami Frey

2021-09-15T17:43:00+02:00

1943, Maurice Rossel, délégué du CICR (Comité International de la Croix-Rouge) visite le camp d’Auschwitz, l’échange avec le chef du camp est courtois. A la Kommandantur, les nazis sont « fiers de leur travail», Rossel aperçoit quelques baraquements, croise des groupes de prisonniers « israélites », maigres, tenues rayées et calotte sur la tête, ce sont leurs regards qu’il retient. Pour ce qui est des moyens d’extermination, il n’est témoin de rien, il n’a rien à en dire, rien à rapporter. Lui savait bien sûr que c’était « terrible », en Suisse personne n’ignorait que les prisonniers civils ne revenaient pas de ces camps, mais personne n’avait conscience de « la masse »… Près d’un an plus tard, Theresienstadt, ville forteresse au nord-est de Prague, une sorte de ghetto modèle, est sa prochaine étape. Rossel constate un traitement particulier et une organisation qu’il considère comme « privilégiée » dans ce camp Potemkine, une ville qu’il juge « presque normale ». C’est du théâtre, il l'admet, les nazis ont tout organisé pour sa venue, cependant il s’étonne de la docilité des « israélites »…

En 1979, pendant le tournage du film documentaire Shoah, Claude Lanzmann recueille les propos de Maurice Rossel, cet échange est filmé, retranscrit et édité.

Sur la scène du Théâtre de l’Atelier, Sami Frey fait renaitre ce dialogue, une sorte de marqueur historique, comme un coup de frein brutal, un récit de l’épouvante. L’intelligence se sent si démunie face à l’ignorance tandis que l’humanité se questionne. Comment un tel manque de conscience est-il possible ? De cette sobriété de ton qui caractérise le travail du cinéaste, des cris d’horreur s’étouffent quelque part, cela Sami Frey le fait ressentir de tout son être. Pendant un peu plus d’une heure, le public du Théâtre de l’Atelier respire au rythme de l’acteur. De l’habileté de l’intervieweur à retenir son indignation face au manque total d’empathie du témoin, Sami Frey enchaîne, sautant d’un personnage à l’autre, avec une technique fine et aisée, délicat et puissant, sa distinction et sa réserve naturelle subliment le propos. Le ton est profond, d’une sincérité si limpide et si évidente, la cruauté est à son comble. Cette interview est un prétexte pour illustrer en somme que le statut de spectateur n’implique pas forcément la passivité.

A l’heure de la disparition des derniers témoins de la Shoah, le rôle de l’art n’a jamais été aussi essentiel.

Laurence Caron

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