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”Le songe d'une nuit d'été” au Théâtre de la Ville

2025-01-20T13:47:00+01:00

La comédie la plus fantasque de toute la création théâtrale est sans aucun doute Le Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare, elle se joue au Théâtre de la Ville jusqu’au 10 février. Écrite à la fin du 16^ème siècle, la fable raconte une nuit de la Saint-Jean, instant onirique par définition selon l’imaginaire anglais, pendant laquelle des intrigues amoureuses sont bousculées par des êtres surnaturels, fées, lutins et elfes semant une joyeuse pagaille entre les humains.

Cette version, réalisée en toute complicité par François Regnault pour la traduction et Emmanuel Demarcy-Mota pour la mise en scène, est née en janvier 2024 au Théâtre de la Ville.

Semblant se délecter à cœur joie de l’ambiance verdoyante du poète anglais, Emmanuel Demarcy-Mota dessine un théâtre tout en ombres dans lequel des êtres vivants ou entités fantasmagoriques jouent, scintillent, chantent et dansent, entre des arbres gigantesques, témoins impassibles et majestueux. Des dispositifs vidéos ajoutés aux décors, des écrans, voiles ou fumées, pour lesquels on renonce à comprendre le montage technique savant, ajoutent de la magie et de la profondeur au déjà vaste plateau du Théâtre de la Ville. La sorcellerie et le mystère étourdissent les jeux des acteurs jusqu’au public qui ne touche plus terre.

"DÉSIRS ARDENTS ET SORTILÈGES NOCTURNES. UNE ODE AUX POUVOIRS DE L’IMAGINAIRE ET DE L’AMOUR FACE AUX RIGUEURS DU MONDE."

La lumière, les costumes, la musique et les effets vidéos s’accordent avec beaucoup de justesse à créer une folie délicieusement déraisonnable et terriblement envoûtante, à n’en pas douter Shakespeare en aurait été comblé. Car, pour restituer une œuvre aussi audacieuse, et tant de fois adaptée du cinéma à l’opéra, l’hésitation est à proscrire. La troupe du Théâtre de la Ville ne s’y trompe pas, les comédiens et comédiennes se jettent littéralement sur scène. Ce sont des artistes radicalement libres, même si l'on devine la rigueur de la mise en en scène et ses ajustements millimétrés pour créer cet univers dans son entier, surgissant de trappes dissimulées sur le plateau, ils dansent, chantent, échangent leurs langages comme s’ils s’agissaient d’accessoires et passent de la comédie au drame sans jamais perdre l’intensité du jeu. Les seize comédiens et comédiennes du Théâtre de la Ville n’ont pas froid aux yeux, chacune de leur apparition est une performance. Et puis il y a cet humour, raffiné ou burlesque, chacun y trouvera son compte, ces intentions heureuses ajoutées au propos créent un spectacle définitivement généreux, inventif et merveilleusement théâtral. Voici du spectacle, du vrai comme on en a toujours rêvé.

Laurence Caron

Le journal de travail de Patrice Chéreau

2020-04-03T06:00:00+02:00

Patrice Chéreau, acteur, scénariste, metteur en scène de théâtre et d’opéra, réalisateur, notamment du très beau film L’homme blessé (1983), nous a quitté en 2013. Ayant joué un rôle majeur sur la scène artistique et culturelle européenne durant quarante ans, il était finalement logique, que ses carnets de travail paraissent, à l’attention de quelques amateurs et de quelques curieux. Cette recension est d'abord parue dans la revue en ligne Boojum, et elle est désormais en accès libre dans l'Ouvroir.

Six volumes seront consacrés aux notes du metteur en scène. Ces notes, issues des archives du fonds Patrice Chéreau, sont conservés à l’IMEC et publiés par les éditions Actes sud. Celui dont je parle est le troisième tome. Je n’ai pas eu la chance de recevoir les deux précédents, mais il faut dire que je ne les ai pas réclamés non plus à l’éditeur non plus, donc je ne vois pas bien pourquoi je me plains, mais bref, ce n’est donc, que sur la base de ce nouvel ouvrage que je peux me prononcer.

D’abord, il s’agit d’aimer Patrice Chéreau. Il faut être entré dans son univers. Que ce soit au théâtre, à l’opéra ou au cinéma. Je pense personnellement à L’homme blessé, qui était sorti en salle en 1983, et qui racontait l’histoire de ce jeune homme ordinaire, fils d'un ouvrier d'origine polonaise, qui, s'ennuyant dans sa famille, croise un jour dans une gare parisienne, un homme, plus âgé que lui et bien impliqué dans le milieu de la prostitution, mais pour lequel il ressent une passion brûlante et, pour lequel, il va donc tenter de se prostituer pour gagner son amour. Bien, je sais que vous serez nombreux à m’opposer son autre film, sorti en 1995 celui-là, avec Isabelle Adjani, La Reine Margot. Les notes que nous trouverons dans ce recueil, qui succède aux deux précédents, le premier consacré aux années de jeunesse (1963-1968) et le deuxième à l’apprentissage en Italie (1969-1971), sont bien antérieures à ces deux films. Ils concernent exclusivement les années 1972-1974.

En même temps, nous informe le préfacier François Regnault, Patrice Chéreau préparait le film La Chair de l’orchidée d’après l’écrivain américain spécialisé dans des romans noirs de grande qualité, James Hadley Chase. Les notes pour ce film, comme pour tous les autres projets abordés dans ce Journal de travail, à savoir Massacre à Paris de Christopher Marlowe (un autre excellent auteur de romans noirs !), La Dispute de Marivaux, Les Contes d’Hoffman de Jacques Offenbach et Jules Barbier, ainsi qu’un court-métrage Le Compagnon.

Roger Planchon (à droite) et Patrice Chéreau, nouveaux directeurs du TNP en 1972

Dans ses notes, on ressent l’homme au travail. Le fourmillement d’idées. La recherche de la nouveauté. L’envie de coller avec une certaine modernité. Le besoin de moderniser. De sortir de la vision classique de la mise en scène. Une foultitude de questions aussi le fait écrire, l’amène à s’interroger.

« Ce film se fera-t-il ? Il faudrait – l’intérêt du film par rapport au théâtre – après cette Lulu et ce monstrueux Massacre à Paris à Lyon – est d’en faire un récipient de mythes modernes – c’est-à-dire que l’histoire de Chase (ne plus le citer) soit le début d’un mythe moderne, soit une cosmogonie d’un certain monde en 1972 avec ses contradictions, avec les contradictions du metteur en scène et l’aspect moderne dans peut-être tout ce qui est vieux dans le moderne en nous... »

A propos du Massacre à Paris, mise en scène de Patrice Chéreau. 28 mai 1972

Les annotations de Julien Centrès permettent de mieux comprendre les notes de Patrice Chéreau. On sait donc, qu’en 1972, au moment où commencent ces notes, Patrice Chéreau a quitté le Piccolo Teatro de Milan et a rejoint le TNP de Villeurbanne, inauguré le 12 mai 1972. On sait aussi qu’il a dirigé les répétitions de Lulu à Milan, et, maintenant, il décide de reprendre un projet, refusé par deux fois au Teatro Piccolo, Massacre à Paris de Marlowe. C’est donc, ce qui va lui donner « un sentiment de grande liberté et en même temps de grande irresponsabilité ». D’où le sous-titre de ce troisième tome : L’invention de la liberté.

On trouve également dans ce volume, un grande nombre d’écrits relatifs à des projets inaboutis comme Antoine et Cléopâtre de Shakespeare, la reprise de Lulu de Franck Wedekind, Lucio Silla de Wolfgang Amadeus Mozart parlant précisément de « la violence de la musique », La Giaconda d’Amilcare Ponchielli et Arrigo Boito (« -Tous les gradins libres [...] – remise des maquettes le 1^er avril ? [...] – fumigènes – orchestre par la loge orchestre »), et L’Anneau du Nibelung de Richard Wagner.

Un livre presque essentiellement destiné aux amateurs ou aux professionnels du théâtre qui admirent Patrice Chéreau. Mais aussi, un livre qui referme une mine d’or d’informations sur comment un artiste pense son œuvre et comment celle-ci se déploie dans de grandes fulgurances créatrices.

Patrice Chéreau à Paris en 1979

Patrice Chéreau, Journal de travail, L’invention de la liberté, Tome 3, 1972-1974, Actes sud, mai 2019.

En couverture : Patrice Chéreau (à droite) au côté de Roger Planchon, en 1972 à Villeurbanne.

Universel Peer Gynt

2012-05-16T23:39:00+02:00

Éblouissant ! Le Peer Gynt qu’Éric Ruff vient de mettre en scène laisse le spectateur sonné de tant de beauté, et d’intelligence. Il réussit à éclipser les autres versions que nous avons connues et il donne à cette œuvre, un rayonnement universel.

Vous vous souvenez sans doute du Norvégien nommé Peer Gynt. Un vaurien au grand cœur qui fait pleurer sa mère toujours prête à l’accuser, mais aussi prompte à le défendre. Le jeune homme rêve de gloire, mais néglige ses terres, et ce jeune paysan affirme qu’il sera « empereur ». Séducteur, il ne transige pas avec la chasteté des filles. Il se montre sceptique mais affronte les trolls, et croit à l’assistance miraculeuse d’un Dieu sans doute chrétien. Souvent battu, dépouillé de tout, il ne s’avoue jamais vaincu. Mis hors-la-loi dans son pays, il préfère errer pendant vingt ans plutôt que de se soumettre à la justice des hommes. Le droit chemin aurait voulu qu’il « fasse pénitence », mais le Grand Courbe le pousse à fuir jusque dans un Orient grouillant pour se frotter à l’étrangeté du monde.

Se repentir ? « Quelle vie régressive ! » Il est trop épris de liberté. Il est, en somme, tellement humain dans ses contradictions que chaque spectateur y reconnaît un proche un peu foutraque, et à bien réfléchir un peu de soi-même...

Peer Gynt gagne gros, perd encore plus, et revient enfin au pays natal vers la pure Solveig qui l'attend, comme la belle Bauldour attendait le beau Pécopin. Quelque part, le diable veille, et la mort est toujours en embuscade.

Hervé Pierre incarne avec génie cet antihéros devenu mythe sous la plume d’Henrik Ibsen, et que la juteuse traduction de François Regnault nous rend fraternel. Autour de lui une troupe d’exception accompagne son itinéraire. Catherine Salviat, Claude Mathieu, Florence Viala, Suliane Brahim, Adeline d’Hermy, changent de rôles avec une prestesse divine. Michel Favory, Serge Bagdassarian, Bakary Sangaré, Stéphane Varupenne, Gilles David, Nâzim Boudjenah, passent d’un personnage à l’autre avec un talent prodigieux. Les jeunes élèves comédiens, Romain Dutheil, Cécile Morelle, Émilie Prevosteau, Samuel Roger, Julien Romelard se révèlent prodigieux. Catherine Samie est Ase, admirable dans ce rôle de mère, affolée et tendre. Et pour les soutenir dans les pérégrinations incessantes, gambade ou pleure la musique originale de Vincent Leterme qu’il interprète lui-même aux claviers, accompagné au violon par Floriane Bonnani, aux guitares par Hervé Legeay et au cymbalum et percussions par François Rivalland. En quatuor concertant ou fanfare tonitruante, Jazzmen ou tziganes, les musiciens s’intègrent aux comédiens avec bonheur.

Dans le Salon d’Honneur du Grand Palais, l’espace est bi-frontal. Entre deux rangs de gradins court un long chemin de terre bosselé, rainuré en son centre par deux rails de fer sur lesquels une draisine fait office de char, de charrette, de lit, de corbillard, de navire, d’estrade. Les costumes de Christian Lacroix ont la rigueur des protestants, la splendeur des contes orientaux, la fantaisie des créatures surnaturelles et le naturel des univers fantastiques. C’est un ravissement constant, une surprise toujours renouvelée.

Bien sûr on voudrait citer tous les artisans de cette réussite. On va certainement être injuste en oubliant un nom.

Mais nous qui « sommes tous de la race de Peer Gynt », il nous arrive d’être opportunistes, cyniques, lâches, insensés », mais aussi « citoyens du monde », généreux, confiants, et surtout émerveillés devant la perfection de cette représentation.

Peer Gynt se Henrik Ibsen, texte français de François Regnault

Jusqu’au 14 juin 2012

Salon d’Honneur du Grand Palais,

à 19 h sauf le mardi